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Belem, Berardo Collection, Centro Cultural de Belem, Lisbon, Portugal
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BIOGRAPHY
Jindřich Štyrský (11 August 1899, Čermná u Kyšperka – 21 March 1942, Prague) was a Czech Surrealist painter, poet, editor, photographer, and graphic artist.
His outstanding and varied oeuvre included numerous book covers and illustrations. He also wrote studies of both Arthur Rimbaud and Marquis de Sade. Along with his artistic partner Toyen (Marie Čermínová), he became a member of Devětsil in 1923, participating in their group exhibitions. He and Toyen also exhibited in Paris in the late 1920s, where they founded their own movement, Artificialism. Between 1928 and 1929 he was designer for the group's drama wing, the Osvobozené divadlo, where he collaborated with Vítězslav Nezval and others. Štyrský was also an active editor. In addition to his Edition 69 series, he edited the Erotická revue, which he launched in 1930, and Odeon, where many of his shorter texts appeared. He was a founding member of The Surrealist Group of Czechoslovakia.
IMPORTANT WORKS
Emilie comes to me in a dream, 1931, published as part of his "Edition 69" series. "On the Needles of the Days", 1941, photographic series in collaboration with Jindřich Heisler who provided the text.
LIFE
Born in Lower Čermná, where he spent his childhood. The death of his half-sister in 1905, with whom had a very strong relationship, greatly affected his later life and artistic creation. He studied first in Hradec Kralove, then the Prague Academy of Fine Arts. He was very active in the art world, since 1923 was a member of Devětsil, and in the years 1932 - 1942 was a member of the Fine Artists Association. His early artistic work was partly under the influence of Cubism, the main style for him but later became influenced by surrealism. During the summer in 1922, he met with Mary Cermínová (1902–1980), who later began using the pseudonym Toyen.
They worked as an artistic pair closely. Together they became members of the Devětsil in Paris. There they also established their own direction, the Czech surrealism - Artificialism (transition between Surrealism and poetics / bridge between reality and abstraction). After returning to Prague he became head of the Liberated Theatre.
In 1934, with Toyen, Bohuslav Brouk, Vitezslav Nezval, and Karel Teige he co-founded the Surrealist Group of Czechoslovakia in Prague. At the invitation of the Parisian Surrealists in 1935 he returned again to Paris. There Styrsky became seriously ill, probably the same heart condition as his sister. He recovered during his stay, though only temporarily.
He died in 1942 in Prague.
Jindřich Styrsky 1899-1942. Prague et Paris.
Aquarium. 1927. Prague Narodni galerie Veletrzni Palac
1815-1940 UNE PERIODE PLURIELLE DE LA PEINTURE EUROPENNE
De 1792 à 1815 l'Europe n'a pas le temps d'être artistique : Elle est totalement occupée par les grandes ambitions françaises de la Révolution et du Premier Empire. Une fois liquidées les aventures révolutionnaires et impériales, l'Europe entre dans une période d'expansion économique et politique qui se traduit dans la peinture par une des phases les plus créatives, les plus inventives et les plus diversement inspirées de l'histoire de la peinture européenne.
L'Europe continentale a pu enfin connaitre, après l'Angleterre, sa seconde renaissance, technique, scientifique et économique. La seconde naissance de l'Europe, après celle des 11è-12è siècles. Les révolutions industrielles peuvent se succéder.
Dans l'Europe en expansion économique du 19è siècle et du début du 20è siècle, l'art de la peinture voit apparaitre une explosion d'écoles et de mouvements totalement différents, qui coexistent sans problèmes majeurs, pendant plus d'un siècle. La peinture européenne n'est pas plus belle que celle antérieure, ou que la peinture d'autres civilisations, mais elle est certainement plus diverse. Plus diverse par ses techniques et par ses thèmes.
Comment expliquer cette diversité de l'art et cette liberté d'expression des artistes européens à cette époque ?
La diversité et la créativité des écoles de la peinture européenne est la conséquence d'une situation de pluralité culturelle et idéologique.
Dans la période qui va de 1815 à 1914, puis encore jusqu'en 1940, l'Europe n'est pas soumise à une idéologie, profane ou sacrée, unique et exclusive.
Dans cette Europe du 19è et du début du 20è coexistent, malgré de très graves tensions, plusieurs représentations du monde différentes, et même opposées, conflictuelles :
Catholicisme, orthodoxie, protestantismes, judaïsme, "Lumières" de toutes tendances, jacobines ou pragmatiques, socialismes modérés ou extrémistes, nationalismes raisonnables ou ultra, aucune de ces idéologies, sacrées ou profanes, ne domine absolument la pensée et la politique européenne, et ne monopolise son territoire de l'Atlantique à l'Oural.
Certes, cette Europe est loin d'être idéale. L'Europe connait des affrontements très graves, des guerres absurdes. Précisément parce qu'aucune idéologie, sacrée ou profane, n'est absolument dominante. Parce que aucune idéologie ne peut régenter totalement les sociétés européennes. La diversité idéologique, source de tensions et même de guerres, est aussi source de liberté, de diversité.
On n'en finirait pas de citer les écoles de peintures, du romantisme à l'art abstrait. Cette multiplication d'écoles à la recherche de nouveaux moyens d'expression est éminemment créatrice. Juste pour mémoire, sans aucune exhaustivité et même dans le désordre:
Romantisme, néo-classicisme, préraphaélites, académisme, réalisme, idéalisme, symbolisme, préimpressionnisme, impressionnisme, nabis, fauvisme, cubisme, orientalisme, expressionnisme, sécessionnisme, surréalisme, art abstrait, dada, néo-plasticisme......
Ce n'est pas seulement une floraison de noms nouveaux, des appellations inventés pour cacher le vide de l'art. C'est une explosion de formes, réellement nouvelles, de thèmes nouveaux, de sensibilités et de significations nouvelles, de beautés neuves.
L'Art Abstrait est une de ces recherches très positives qui renouvellent le paysage de la peinture européenne.
Pas de monolithisme de la pensée européenne, à cette époque qui va de 1815 à 1940 en dates grosses.
Conséquence : Pas de monolithisme de l'Art européen pendant la même période, et notamment de la peinture.
A l'exception de la Russie, qui rentre dès 1917 dans le monde de la pensée unique et du Non Art.
A l'exception aussi de l'Allemagne hitlérienne où l'art meurt à partir des années 1930 et suivantes.
Avant et ailleurs en Europe, toutes les écoles coexistent, depuis le figuratif académique jusqu'à l'art l'abstrait.
L'Art de la peinture de cette époque, appelé "Art Moderne", est ainsi un témoin du dynamisme européen. Sa diversité de styles et de sujets, sa créativité, son esprit de recherche, sans reniement du passé, sont comme un splendide chant du cygne de la diversité. Et effectivement cela ne durera pas.
C'est ainsi que s'est imposé dans nos musées d'Occident, à partir des années 1950, sans que personne dans le peuple ait donné son avis, l'Art Contemporain : un nouvel Académisme, un Art Officiel, qui cumule le Laid et le Non-Sens, et qui fait se ressembler presque toutes les oeuvres d'art, de tous les musées d'Art Contemporain, du nord au sud, et de l'est à l'ouest de l'Europe et de l'Occident. Le Massacre de la Peinture et l'Art de la pensée unique.
1815 - 1940 A PLURAL PERIOD OF THE EUROPEAN PAINTING
From 1792 to 1815 Europe has no time to be artistic: It is fully occupied by the great French ambitions of the Revolution and the First Empire. Upon completion of the revolutionary and imperial adventures, Europe enters a period of economic and political expansion, which reflected in the painting by one of the most creative, the most inventive and the most diversely inspired phases, from the history of European painting.
Continental Europe could finally know, after England, his second renaissance, technical, scientific and economic. The second birth of Europe, after that of the 11th-12th centuries. The industrial revolutions can succeed.
In Europe in economic expansion of the 19th century and early 20th century, the art of painting sees appear an explosion of schools, and totally different movements that coexist without major problems, during more than a century. European painting is not more beautiful than the previous one, or the painting of other civilizations, but it is certainly more diverse. More diverse in its technical and its themes.
How to explain this diversity of art and this freedom of expression of European artists at that time?
The diversity and creativity of the schools of European painting is the result of a situation of cultural and ideological plurality. In the period from 1815 to 1914 and then again until 1940, Europe is not subject to an ideology, secular or sacred, unique and exclusive.
In this Europe of the 19th and early 20th, coexist, despite very severe tensions, several different representations of the world, and even contrary, conflictual:
Catholicism, Orthodoxy, Protestantism, Judaism, "Enlightenment" of all tendencies, Jacobinical or pragmatic, moderate socialism or extremist, reasonable or ultra nationalism, none of these ideologies, sacred or profane, absolutely dominates the thinking and the European policy, and monopolizes its territory, from the Atlantic to the Urals.
Certainly, this Europe is far from ideal. Europe knows very serious confrontations, absurd wars. Precisely because none ideology, sacred or profane, is absolutely dominant. Because none ideology can completely govern European societies. Ideological diversity, a source of tension and even from wars, is also a source of freedom, of diversity.
There is no end to mention the schools of paintings, from romanticism to abstract art. This multiplication of schools looking for new means of expression is eminently creative. Just for memory, without completeness, and even in the disorder: Romanticism, neoclassicism, Pre-Raphaelites, academicism, realism, idealism, symbolism, pre impressionism, impressionism, Nabis, fauvism, cubism, orientalism, expressionism, secessionism, surrealism, abstract art, dada, neo-Plasticism ......
This is not only a flowering of new names, names invented to hide the emptiness of art. It is an explosion of formes, really news, new themes, sensitivities and new meanings, of new beauties.
Abstract Art is one of those very positive research which renew the landscape of European painting.
No monolithic quality of European thinking at that time that goes from 1815 to 1940 in large dates.
Consequence: No monolithic quality European Art, particularly in painting.
With the exception of Russia, which arrived in 1917 in the world of the unique thought and of Non Art.
With the exception also of Hitler's Germany, where art dies, from the 1930s and followings years.
Before and elsewhere in Europe, all schools coexist, from the academic figurative art to abstract art.
The art of painting of that time, called "Modern Art", is thus a witness of European dynamism. Its diversity of styles and subjects, his creativity, his spirit of research, without denial of the past, are like a beautiful swan song of diversity. And indeed it will not last.
It thus has established itself in our museums of the West, from the 1950s, without that person in the people has given his opinion, the Contemporary Art: a new Academism, an Officila Art, which combines the Ugly and the Non-Sense, and that make be similar almost all the works of art, of all museums of Contemporary Art, from North to South and East to Western Europe and the West. The Massacre of Painting and the Art of Single Thought.
Jindřich Styrsky 1899-1942. Prague et Paris. Black Pierrot. 1923.
Prague Narodni galerie. Veletrzni Palac
Ecole surréaliste .Surrealist school.
UNE HISTOIRE DE LA PEINTURE PLATE (3)
L'Art Moderne ?
A partir des années 1830-1850 environ, les peintres romantiques, les premiers, puis les préé-impressionnistes, les impressionnistes, les post-impressionnistes, "les peintres modernes", parcourent, en sens inverse, le chemin qu'avaient pris les peintres de l'art Roman, de l'art Gothique et de "la Renaissance".
A partir de la deuxième moitié du 19è siècle beaucoup de peintres européens rejettent la précision et le réalisme du dessin, refusent la vérité des couleurs telles que nos sens les perçoivent. Les peintres rejettent l'exigence d'une représentation naturaliste et réaliste du monde. Une exigence technique, qui a caractérisée toute la peinture européenne, depuis le gothique tardif et la renaissance.
Finie "la tyrannie" de l'illusion des trois dimensions sur la surface plane du tableau. Vive "la liberté" de la peinture plate, qui épouse son support.
Les peintres suppriment la perspective et les volumes, reviennent à des formes stéréotypées et stylisées. Ils pratiquent le "tachisme", usent et abusent de l'esquisse, inventent les couleurs arbitraires, décomposent les volumes, multiplient les points de vue sur le même objet. Les peintres européens s'éloignent ainsi toujours plus d'une représentation fidèle du monde qui les entoure, pour proposer les plus diverses interprétations et reconstructions, voire même inventions, du réel.
Il est très clair que ce chemin est suivi de manière tout à fait volontariste.
Nous ne sommes plus dans la situation des peintres et des mosaïstes de l'Empire romain finissant, dont les techniques étaient dictées par leurs méconnaissances des règles, techniques, du bien faire. Les imperfections, techniques, de la peinture plate et de l'esquisse, s'imposent non pas comme une incapacité à bien représenter, mais comme une ouverture sur une esthétique nouvelle
Les artistes veulent faire du "Nouveau". C'est même une obsession. Et pour faire du nouveau, parfois, il n'y a rien de mieux que l'Ancien ! Mais il ne faut pas trop le dire !
Les visages stéréotypés et les grands yeux inexpressifs des peintures et mosaïques Paléo-chrétiennes et Byzantines retrouvent un charme "moderne" avec Modigliani.
Les corps de femme peuvent aussi se passer des modelés subtiles, et se réduire à des lignes, comme aux temps de Byzance, de la peinture Siennoise et du gothique international (Maurice Denis, Henri Matisse, Edward Munch....).
Masaccio, "moderne" en 1410 parce qu'il donne une épaisseur et un volume plus réaliste à ses personnages, devient un peintre académique en 1900 !
C'est ainsi que, contre les peintres académiques, classiques, accusés d'être réactionnaires et dépassés, Edouard Manet et ses successeurs reviennent à une interprétation stylisée, symbolique, suggestive, inventée, du monde qui les entoure. En fait ils empruntent beaucoup à l'esthétique de Ravenne, des fresques romanes, de Giotto, de l'école de Sienne, et du Gothique international. Une esthétique dont ils avaient évidemment une parfaite connaissance par leurs fréquentations assidues des musées et lieux artistiques européens, leurs voyages en Italie...
Evidemment ces techniques s'appliquent à des thèmes tous différents de ceux de l'époque gothique. Mais c'est un autre aspect de l'histoire de la peinture européenne.
Au bout de ce chemin, la peinture européenne aboutit à l'art abstrait, non figuratif.
En effet, de simplifications et stylisations en synthèses, et d'interprétations et suggestions en inventions, les peintres s'éloignent toujours plus d'une représentation naturaliste et réaliste du réel, le réel tel que les hommes le perçoivent par leurs yeux, et finissent par le quitter.
Les villages et les églises de Lyonel Feininger ne sont bientôt plus que des lignes qui s'entrecroisent.
A HISTORY OF THE FLAT PAINTING (3)
Modern Art ?
From the years 1830-1850 approximately, The European Romantic painters, the firsts, then the pre-Impressionists, Impressionists, Post-Impressionists, in short the "moderns painters", browse, in the opposite direction, the path that have followed the painters of the Roman art, Gothic art, and "Renaissance."
From the second half of the 19th century, many European painters reject the accuracy and the realism of the drawing, are refusing the truth of the colors, such as our senses perceive them. The Painters reject the requirement of a naturalistic and realistic representation of the world. A technical requirement, which has characterized all European painting since the late Gothic and Renaissance.
Finished the "tyranny" of the illusion of the three dimensions on the flat surface of the painting. Long live the "freedom" of the flat paint, who marries his support.
The painters suppress the perspective and the volumes. They return to stereotyped and stylized forms. They practice the "tachisme", use and abuse of the sketch, invent the arbitrary colors, decompose the volumes, multiply the points of view on the same subject. The European painters move away so always more than a true representation of the world around them, for propose the most diverse interpretations and reconstructions and even inventions, of the real.
It is very clear that this path is followed entirely voluntarist.
We are no longer in the situation of the painters and mosaic artists of the late Roman Empire, whose techniques were dictated by their misunderstandings of the rules, technical, of the doing well. The imperfections, technical, of the flat painting and of the sketching, are needed not as an inability to well represent, but as a an opening on a new aesthetic.
The European artists want to make the "New", this is even an obsession. And to make the New, sometimes there's nothing better than the Old!
But Just don't say it too much!
The stereotyped faces and the big eyes expressionless of the paintings and mosaics Paleo-Christian and Byzantine found a charm "modern" with Modigliani.
The female body can also dispense with subtle patterns, and be reduced to lines, as in the time of Byzantium and Gothic painting XIVth international (Maurice Denis, Henri Matisse, Edward Munch...)
Masaccio, "modern" in 1410 because it gives a more realistic thickness and volumes to his characters, becomes an academic painter in 1900!
Thus, against the academic painters, classics, accused of being reactionary and surpassed, Edouard Manet and his followers return to a stylized interpretation, symbolic, suggestive, invented, of the world around them. In fact they borrow much from the aesthetics of Ravenna, of the Romanesque frescoes, of Giotto, of the Siena School, and of the International Gothic. An aesthetic which they obviously had a perfect knowledge of their courtship of European museums and artistic venues, their travels in Italy ...
Obviously these techniques apply to themes all differents from those of the Gothic period. But this is another aspect of the history of European painting.
At the end of this road, European painting comes to abstract art, non-figurative art.
Indeed, from simplification and stylisation into syntheses, from interpretations and suggestions into inventions, the painters always away more than a naturalistic and realistic representation of the real, this real, as men perceive with their eyes, and eventually leave him.
The villages and churches of Lyonel Feininger are soon more than lines that intersect.
Jindřich Styrsky 1899-1942. Prague et Paris. From my Diary. De mon journal. 1933.
Prague Narodni galerie Veletrzni Palac
UNE HISTOIRE DE LA PEINTURE PLATE (3)
L'Art Moderne ?
A partir des années 1830-1850 environ, les peintres romantiques, les premiers, puis les préé-impressionnistes, les impressionnistes, les post-impressionnistes, "les peintres modernes", parcourent, en sens inverse, le chemin qu'avaient pris les peintres de l'art Roman, de l'art Gothique et de "la Renaissance".
A partir de la deuxième moitié du 19è siècle beaucoup de peintres européens rejettent la précision et le réalisme du dessin, refusent la vérité des couleurs telles que nos sens les perçoivent. Les peintres rejettent l'exigence d'une représentation naturaliste et réaliste du monde. Une exigence technique, qui a caractérisée toute la peinture européenne, depuis le gothique tardif et la renaissance.
Finie "la tyrannie" de l'illusion des trois dimensions sur la surface plane du tableau. Vive "la liberté" de la peinture plate, qui épouse son support.
Les peintres suppriment la perspective et les volumes, reviennent à des formes stéréotypées et stylisées. Ils pratiquent le "tachisme", usent et abusent de l'esquisse, inventent les couleurs arbitraires, décomposent les volumes, multiplient les points de vue sur le même objet. Les peintres européens s'éloignent ainsi toujours plus d'une représentation fidèle du monde qui les entoure, pour proposer les plus diverses interprétations et reconstructions, voire même inventions, du réel.
Il est très clair que ce chemin est suivi de manière tout à fait volontariste.
Nous ne sommes plus dans la situation des peintres et des mosaïstes de l'Empire romain finissant, dont les techniques étaient dictées par leurs méconnaissances des règles, techniques, du bien faire. Les imperfections, techniques, de la peinture plate et de l'esquisse, s'imposent non pas comme une incapacité à bien représenter, mais comme une ouverture sur une esthétique nouvelle
Les artistes veulent faire du "Nouveau". C'est même une obsession. Et pour faire du nouveau, parfois, il n'y a rien de mieux que l'Ancien ! Mais il ne faut pas trop le dire !
Les visages stéréotypés et les grands yeux inexpressifs des peintures et mosaïques Paléo-chrétiennes et Byzantines retrouvent un charme "moderne" avec Modigliani.
Les corps de femme peuvent aussi se passer des modelés subtiles, et se réduire à des lignes, comme aux temps de Byzance, de la peinture Siennoise et du gothique international (Maurice Denis, Henri Matisse, Edward Munch....).
Masaccio, "moderne" en 1410 parce qu'il donne une épaisseur et un volume plus réaliste à ses personnages, devient un peintre académique en 1900 !
C'est ainsi que, contre les peintres académiques, classiques, accusés d'être réactionnaires et dépassés, Edouard Manet et ses successeurs reviennent à une interprétation stylisée, symbolique, suggestive, inventée, du monde qui les entoure. En fait ils empruntent beaucoup à l'esthétique de Ravenne, des fresques romanes, de Giotto, de l'école de Sienne, et du Gothique international. Une esthétique dont ils avaient évidemment une parfaite connaissance par leurs fréquentations assidues des musées et lieux artistiques européens, leurs voyages en Italie...
Evidemment ces techniques s'appliquent à des thèmes tous différents de ceux de l'époque gothique. Mais c'est un autre aspect de l'histoire de la peinture européenne.
Au bout de ce chemin, la peinture européenne aboutit à l'art abstrait, non figuratif.
En effet, de simplifications et stylisations en synthèses, et d'interprétations et suggestions en inventions, les peintres s'éloignent toujours plus d'une représentation naturaliste et réaliste du réel, le réel tel que les hommes le perçoivent par leurs yeux, et finissent par le quitter.
Les villages et les églises de Lyonel Feininger ne sont bientôt plus que des lignes qui s'entrecroisent.
A HISTORY OF THE FLAT PAINTING (3)
Modern Art ?
From the years 1830-1850 approximately, The European Romantic painters, the firsts, then the pre-Impressionists, Impressionists, Post-Impressionists, in short the "moderns painters", browse, in the opposite direction, the path that have followed the painters of the Roman art, Gothic art, and "Renaissance."
From the second half of the 19th century, many European painters reject the accuracy and the realism of the drawing, are refusing the truth of the colors, such as our senses perceive them. The Painters reject the requirement of a naturalistic and realistic representation of the world. A technical requirement, which has characterized all European painting since the late Gothic and Renaissance.
Finished the "tyranny" of the illusion of the three dimensions on the flat surface of the painting. Long live the "freedom" of the flat paint, who marries his support.
The painters suppress the perspective and the volumes. They return to stereotyped and stylized forms. They practice the "tachisme", use and abuse of the sketch, invent the arbitrary colors, decompose the volumes, multiply the points of view on the same subject. The European painters move away so always more than a true representation of the world around them, for propose the most diverse interpretations and reconstructions and even inventions, of the real.
It is very clear that this path is followed entirely voluntarist.
We are no longer in the situation of the painters and mosaic artists of the late Roman Empire, whose techniques were dictated by their misunderstandings of the rules, technical, of the doing well. The imperfections, technical, of the flat painting and of the sketching, are needed not as an inability to well represent, but as a an opening on a new aesthetic.
The European artists want to make the "New", this is even an obsession. And to make the New, sometimes there's nothing better than the Old!
But Just don't say it too much!
The stereotyped faces and the big eyes expressionless of the paintings and mosaics Paleo-Christian and Byzantine found a charm "modern" with Modigliani.
The female body can also dispense with subtle patterns, and be reduced to lines, as in the time of Byzantium and Gothic painting XIVth international (Maurice Denis, Henri Matisse, Edward Munch...)
Masaccio, "modern" in 1410 because it gives a more realistic thickness and volumes to his characters, becomes an academic painter in 1900!
Thus, against the academic painters, classics, accused of being reactionary and surpassed, Edouard Manet and his followers return to a stylized interpretation, symbolic, suggestive, invented, of the world around them. In fact they borrow much from the aesthetics of Ravenna, of the Romanesque frescoes, of Giotto, of the Siena School, and of the International Gothic. An aesthetic which they obviously had a perfect knowledge of their courtship of European museums and artistic venues, their travels in Italy ...
Obviously these techniques apply to themes all differents from those of the Gothic period. But this is another aspect of the history of European painting.
At the end of this road, European painting comes to abstract art, non-figurative art.
Indeed, from simplification and stylisation into syntheses, from interpretations and suggestions into inventions, the painters always away more than a naturalistic and realistic representation of the real, this real, as men perceive with their eyes, and eventually leave him.
The villages and churches of Lyonel Feininger are soon more than lines that intersect.
Jindřich Styrsky 1899-1942. Prague et Paris. Country cemetery. 1925.
Prague Narodnigalerie Veletrzni Palac
LES DÉBUTS DE L'ABSTRACTION
Si Edouard Manet est un précurseur de la peinture plate, Claude Monet est, parmi les impressionnistes, le plus notable annonciateur de l'art non figuratif. "Impression soleil levant" date de 1873. Sans doute a -t-il été précédé dans cette voie par William Turner dont il a vu les oeuvres les plus audacieuses à Londres en 1870 ( et aussi de Constable). La National Gallery a en effet exposé les tableaux les plus avant gardistes, de Turner, mort en 1851, dès 1856.
Claude Monet a été aussi précédé par un peintre romantique comme Eugène Delacroix, ou encore, plus proche de lui, par Eugène Boudin, deux peintres dont certaines esquisses, et même certaines oeuvres considérées comme achevées, sont à la limite du non figuratif.
Cette première peinture abstraite part du réel, tel qu'il est perçu par les yeux de l'homme. Monet peint comme les photographes contemporains qui captent les reflets de la lumière dans l'eau.
La rupture avec le réel n'est pas totalement consommée. La nature reste une source suffisamment directe de l'inspiration artistique pour que le grand public perçoive clairement la signification de l'oeuvre et son lien avec le monde environnant.
Mais la peinture européenne ne cherche plus à "imiter la nature", comme elle l'avait fait depuis l'époque gothique, et comme l'avait constaté et admiré Giorgio Vasari vers 1550.
Tous les procédés qui caractérisent "l'Art Moderne" (1850-1950 en dates grosses) éloignent la peinture européenne d'une représentation fidèle, exacte, naturaliste, du monde.
L'Esquisse élevée au rang de tableau achevé, le tachisme, la dilution du dessin, l'aplatissement des volumes, l'atténuation ou la disparition de la perspective ("la peinture plate"), la décomposition des formes et des masses en leurs composantes géométriques, les couleurs totalement arbitraires, tous ces procédés de l'Art Moderne, en partie repris de l'art roman, byzantin et paléochrétien, ou paléolithique, tendent à substituer à une représentation exacte, en trois dimensions, de la nature, une interprétation schématique, symbolique et synthétique de l'environnement de l'homme.
L'homme ne cherche plus à reproduire le plus fidèlement possible le monde qui l'entoure, il cherche à le réinventer en l'analysant, le décomposant et le synthétisant. Mais le point de départ de cette recherche d'une nouvelle esthétique reste, pour l'instant, la Nature.
Bientôt viendra le temps d'une recherche de formes nouvelles totalement indépendantes du réel sensible.
Avec les risques que cela comporte d'une rupture du Sens, de la signification, et donc de la communication entre le peintre et son public. Un public qui bien évidemment pense et ressent des émotions en résonance avec l'environnement qu'il perçoit par ses sens.
Le Non-Sens est nécessairement au bout du chemin de l'abstraction, de l'art non figuratif.
Mais pas l'Absurde, ni le Laid, qui seront "la grande invention" de l'Art Contemporain, à partir des années 1950.
THE BEGINNINGS OF THE ABSTRACTION
If Edouard Manet is a precursor of the "flat painting", Claude Monet is, among the Impressionists, the most notable annunciator of the non-figurative art. "Impression Rising Sun" dates of 1873. Doubtless he was preceded in this way by William Turner, of whom he saw the most audacious works in London in 1870 (and also of Constable). The National Gallery has indeed exhibited the most advanced paintings of Turner, who died in 1851, as early as 1856.
Claude Monet was also preceded per a romantic painter like Eugène Delacroix, or, even closer to him, per Eugène Boudin, two painters whose somes sketches, and even certain works considered as completed, are at the limit of the non-figurative.
This first abstract painting starts from the real, as it is perceived by the eyes of man. Monet paints like contemporary photographers who capture the reflections of the light in the water.
The break with the reality is not totally consumed. The Nature remains a sufficiently direct source of the artistic inspiration so that the general public clearly perceives the significance of the work and its connection with the surrounding world.
But the European painting no longer seeks to "imitate the nature," as it had done since the Gothic period, and as Giorgio Vasari had noted and admired about 1550.
All the processes that characterize the "Modern Art" (1850-1950 in big dates) distance the European painting from a faithful, exact, naturalistic representation of the world:
The sketch elevated to the rank of finished painting, the tachism, the dilution of the drawing, the flattening of volumes, the attenuation or disappearance of perspective ("the flat painting"), the decomposition of shapes and masses into their geometrical components, the totally arbitrary colors.
All these processes of the Modern Art, in part taken from the Romanesque, the Byzantine and the early Christian or the Paleolithic art, tend to substitute for an exact three-dimensional representation of the Nature, per one schematic, symbolic and synthetic interpretation of the human environment.
The Man no longer seeks to reproduce as faithfully as possible the world around him, he seeks to reinvent it, by analyzing it, by decomposing it and by synthesizing it. But the point of departure for this search for a new aesthetic remains for the moment the Nature.
Soon will come the time of a search for new forms totally independent of the sensible real.
With the risks that this involves of a rupture of the Sens, of the meaning, and therefore of the communication between the painter and his public. An audience that obviously thinks and feels emotions in resonance with the environment that it perceives by its senses.
The Non-sense is necessarily at the end of the path of the abstraction, of the non-figurative art.
But not the Absurd, nor the Laid, which will be "the great invention" of the Contemporary Art, from the 1950s.
Jindřich Styrsky 1899-1942. Prague et Paris. Acacia. 1931.
Prague Narodni galerie Veletrzni Palac
1815-1940 UNE PERIODE PLURIELLE DE LA PEINTURE EUROPENNE
De 1792 à 1815 l'Europe n'a pas le temps d'être artistique : Elle est totalement occupée par les grandes ambitions françaises de la Révolution et du Premier Empire. Une fois liquidées les aventures révolutionnaires et impériales, l'Europe entre dans une période d'expansion économique et politique qui se traduit dans la peinture par une des phases les plus créatives, les plus inventives et les plus diversement inspirées de l'histoire de la peinture européenne.
L'Europe continentale a pu enfin connaitre, après l'Angleterre, sa seconde renaissance, technique, scientifique et économique. La seconde naissance de l'Europe, après celle des 11è-12è siècles. Les révolutions industrielles peuvent se succéder.
Dans l'Europe en expansion économique du 19è siècle et du début du 20è siècle, l'art de la peinture voit apparaitre une explosion d'écoles et de mouvements totalement différents, qui coexistent sans problèmes majeurs, pendant plus d'un siècle. La peinture européenne n'est pas plus belle que celle antérieure, ou que la peinture d'autres civilisations, mais elle est certainement plus diverse. Plus diverse par ses techniques et par ses thèmes.
Comment expliquer cette diversité de l'art et cette liberté d'expression des artistes européens à cette époque ?
La diversité et la créativité des écoles de la peinture européenne est la conséquence d'une situation de pluralité culturelle et idéologique.
Dans la période qui va de 1815 à 1914, puis encore jusqu'en 1940, l'Europe n'est pas soumise à une idéologie, profane ou sacrée, unique et exclusive.
Dans cette Europe du 19è et du début du 20è coexistent, malgré de très graves tensions, plusieurs représentations du monde différentes, et même opposées, conflictuelles :
Catholicisme, orthodoxie, protestantismes, judaïsme, "Lumières" de toutes tendances, jacobines ou pragmatiques, socialismes modérés ou extrémistes, nationalismes raisonnables ou ultra, aucune de ces idéologies, sacrées ou profanes, ne domine absolument la pensée et la politique européenne, et ne monopolise son territoire de l'Atlantique à l'Oural.
Certes, cette Europe est loin d'être idéale. L'Europe connait des affrontements très graves, des guerres absurdes. Précisément parce qu'aucune idéologie, sacrée ou profane, n'est absolument dominante. Parce que aucune idéologie ne peut régenter totalement les sociétés européennes. La diversité idéologique, source de tensions et même de guerres, est aussi source de liberté, de diversité.
On n'en finirait pas de citer les écoles de peintures, du romantisme à l'art abstrait. Cette multiplication d'écoles à la recherche de nouveaux moyens d'expression est éminemment créatrice. Juste pour mémoire, sans aucune exhaustivité et même dans le désordre:
Romantisme, néo-classicisme, préraphaélites, académisme, réalisme, idéalisme, symbolisme, préimpressionnisme, impressionnisme, nabis, fauvisme, cubisme, orientalisme, expressionnisme, sécessionnisme, surréalisme, art abstrait, dada, néo-plasticisme......
Ce n'est pas seulement une floraison de noms nouveaux, des appellations inventés pour cacher le vide de l'art. C'est une explosion de formes, réellement nouvelles, de thèmes nouveaux, de sensibilités et de significations nouvelles, de beautés neuves.
L'Art Abstrait est une de ces recherches très positives qui renouvellent le paysage de la peinture européenne.
Pas de monolithisme de la pensée européenne, à cette époque qui va de 1815 à 1940 en dates grosses.
Conséquence : Pas de monolithisme de l'Art européen pendant la même période, et notamment de la peinture.
A l'exception de la Russie, qui rentre dès 1917 dans le monde de la pensée unique et du Non Art.
A l'exception aussi de l'Allemagne hitlérienne où l'art meurt à partir des années 1930 et suivantes.
Avant et ailleurs en Europe, toutes les écoles coexistent, depuis le figuratif académique jusqu'à l'art l'abstrait.
L'Art de la peinture de cette époque, appelé "Art Moderne", est ainsi un témoin du dynamisme européen. Sa diversité de styles et de sujets, sa créativité, son esprit de recherche, sans reniement du passé, sont comme un splendide chant du cygne de la diversité. Et effectivement cela ne durera pas.
C'est ainsi que s'est imposé dans nos musées d'Occident, à partir des années 1950, sans que personne dans le peuple ait donné son avis, l'Art Contemporain : un nouvel Académisme, un Art Officiel, qui cumule le Laid et le Non-Sens, et qui fait se ressembler presque toutes les oeuvres d'art, de tous les musées d'Art Contemporain, du nord au sud, et de l'est à l'ouest de l'Europe et de l'Occident. Le Massacre de la Peinture et l'Art de la pensée unique.
1815 - 1940 A PLURAL PERIOD OF THE EUROPEAN PAINTING
From 1792 to 1815 Europe has no time to be artistic: It is fully occupied by the great French ambitions of the Revolution and the First Empire. Upon completion of the revolutionary and imperial adventures, Europe enters a period of economic and political expansion, which reflected in the painting by one of the most creative, the most inventive and the most diversely inspired phases, from the history of European painting.
Continental Europe could finally know, after England, his second renaissance, technical, scientific and economic. The second birth of Europe, after that of the 11th-12th centuries. The industrial revolutions can succeed.
In Europe in economic expansion of the 19th century and early 20th century, the art of painting sees appear an explosion of schools, and totally different movements that coexist without major problems, during more than a century. European painting is not more beautiful than the previous one, or the painting of other civilizations, but it is certainly more diverse. More diverse in its technical and its themes.
How to explain this diversity of art and this freedom of expression of European artists at that time?
The diversity and creativity of the schools of European painting is the result of a situation of cultural and ideological plurality. In the period from 1815 to 1914 and then again until 1940, Europe is not subject to an ideology, secular or sacred, unique and exclusive.
In this Europe of the 19th and early 20th, coexist, despite very severe tensions, several different representations of the world, and even contrary, conflictual:
Catholicism, Orthodoxy, Protestantism, Judaism, "Enlightenment" of all tendencies, Jacobinical or pragmatic, moderate socialism or extremist, reasonable or ultra nationalism, none of these ideologies, sacred or profane, absolutely dominates the thinking and the European policy, and monopolizes its territory, from the Atlantic to the Urals.
Certainly, this Europe is far from ideal. Europe knows very serious confrontations, absurd wars. Precisely because none ideology, sacred or profane, is absolutely dominant. Because none ideology can completely govern European societies. Ideological diversity, a source of tension and even from wars, is also a source of freedom, of diversity.
There is no end to mention the schools of paintings, from romanticism to abstract art. This multiplication of schools looking for new means of expression is eminently creative. Just for memory, without completeness, and even in the disorder: Romanticism, neoclassicism, Pre-Raphaelites, academicism, realism, idealism, symbolism, pre impressionism, impressionism, Nabis, fauvism, cubism, orientalism, expressionism, secessionism, surrealism, abstract art, dada, neo-Plasticism ......
This is not only a flowering of new names, names invented to hide the emptiness of art. It is an explosion of formes, really news, new themes, sensitivities and new meanings, of new beauties.
Abstract Art is one of those very positive research which renew the landscape of European painting.
No monolithic quality of European thinking at that time that goes from 1815 to 1940 in large dates.
Consequence: No monolithic quality European Art, particularly in painting.
With the exception of Russia, which arrived in 1917 in the world of the unique thought and of Non Art.
With the exception also of Hitler's Germany, where art dies, from the 1930s and followings years.
Before and elsewhere in Europe, all schools coexist, from the academic figurative art to abstract art.
The art of painting of that time, called "Modern Art", is thus a witness of European dynamism. Its diversity of styles and subjects, his creativity, his spirit of research, without denial of the past, are like a beautiful swan song of diversity. And indeed it will not last.
It thus has established itself in our museums of the West, from the 1950s, without that person in the people has given his opinion, the Contemporary Art: a new Academism, an Officila Art, which combines the Ugly and the Non-Sense, and that make be similar almost all the works of art, of all museums of Contemporary Art, from North to South and East to Western Europe and the West. The Massacre of Painting and the Art of Single Thought.
Against All Reason. Surrealism Paris - Prague.
Exhibition in the City Ludwigshafen am Rhein
Jindřich Štyrský, "man and woman", 1934
Jindřich Styrsky 1899-1942. Prague et Paris. From my Diary. De mon journal. 1933.
Prague Narodni galerie Veletrzni Palac
Jindřich Styrsky 1899-1942. Prague et Paris. Black Pierrot. 1923.
Prague Narodni galerie. Veletrzni Palac
Ecole surréaliste .Surrealist school.
PHOTOESPAÑA 2009
Sala Goya del Círculo de Bellas Artes.
La muestra organizada por PHE09 recoge cerca de cincuenta fotografías en blanco y negro que recorren la etapa creativa desarrollada por Styrsky en los años treinta
Vista en mayor tamaño sobre fondo negro:
Si lo deseas, aquí puedes visitar mi galería.